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吴宇森|《英雄本色》幕后：发哥从配角演成主角，最大功臣是张国荣( 四 )

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所以直到修复版《英雄本色》上映 ， 想起张国荣 ， 吴宇森依旧会不住怀念：“他是一个把自己的痛苦隐藏起来 ， 把快乐献给大家的人 。 ”
也总觉得对不起张国荣 ， 如果有机会修改 ， 他也希望能多写一些戏给张国荣 ， 来展现子杰内心的痛苦、挣扎、压抑 。
只不过有些遗憾 ， 或许难再弥补 。


卡顿的导演 ， “毒药”视帝 ， 过气一哥 ， 再加上一个不断被“边缘化”的红人 ， 这样的配置 ， 怎么看都有些“无厘头” 。
但《英雄本色》上映后 ， 却引起轰动 ， 一改先前武打、喜剧占主流的格局 ， 挽救了港影之颓势 ， 开创了警匪片之先河 ， 周润发凭借“小马哥”捧回人生第一座金像奖 。

虽然多年之后 ， 王晶依旧忍不住吐槽发哥：“影帝是捞来的 。 ”但站在台上 ， 狄龙一句：“阿sir ， 我不当大哥很久了” ， 懂的人瞬间都懂了 。
90年代在韩国上映后 ， 首尔的黑色风衣销售一空 。 在影院见面会 ， 周润发一出场大家就鼓掌 ， 原先人见人爱的哥哥却遭遇“嘘声一片” 。 这绝不是什么“对家营销” ， 一切只因观众入戏太深 。

不仅主角团集体“咸鱼翻身” ， 之前总差临门一脚的吴宇森 ， 直接登上“暴力美学”大师之巅 ， 影片到现在都是类型片中的标杆、不可超越的存在 。
《英雄本色》：“太极无穷”与“量子纠缠”
何为暴力美学？吴宇森曾这样阐述：“所谓动作 ， 所谓暴力 ， 于我来说是舞蹈 ， 是动态的美感 。 ”所以在吴宇森的艺术观中 ， “暴力”自带一种美 。

这种美或许是强烈的冲击 ， 或许是直观喷张的感受 ， 所以也才有了出场即被“红牌罚下”的作品 。
但由于经历、观念、意识的差别 ， 个人范畴的美学体验 ， 与普世层面对美的欣赏需求 ， 始终存在差距 。
《英雄本色》恰恰就做到了个体意识与群体感官的高度协调 ， 这种协调并不是屈从、妥协 ， 而是一种深度思考后对深层灵感的激发与展现 。

憋闷了太久的吴宇森 ， 就像打了一出精妙的“太极” 。 将自己钟爱的现实感“暴力”与理想化美学 ， 刚与柔极致牵引 ， 于是“两仪 ， 四像 ， 八卦” ， 直至巅峰之处的“无穷” 。
影片看似在讲虚构宇宙中主人公之间的兄弟情 ， 但他们的遭遇和心境 ， 无一不映射着真实世界中芸芸众生的风光、暗淡、得意、失意 ， 受挫与报复 。 他们不完美 ， 但可爱真实 ， 像你像我也像他 。

所以当看到：“我等了三年 ， 只是要证明 ， 失去的东西我一定要亲手拿回来 。 ”周润发瞬间控制不住自己：“这写的就是我啊！”
冷漠现实与内心信仰之间的对冲 ， 有了影片中那些令人难忘的激烈场面 。 “枫林阁”本是香艳的代名词 。

小马哥花盆藏枪 ， 潇洒开门 ， 拿起“92F”一通激烈扫射 ， 闽南小调顿时包裹了江湖气 。
而快到极致 ， 却又是以无限接近静态的慢镜来呈现子弹穿堂、中弹者的倒下 。

吴宇森采用本就偏爱的交替机位设计法 ， 避免了变换机位捕捉的不确定性与缺失 ， 给了镜头更稳定丰富的呈现 。
而在确定中 ， 吴宇森又加入了“不确定” ， 从西部片手法中找寻灵感 ， 有时会在两个慢镜中 ， 插入无直接关联的场景画面 。
不着痕迹地拉长枪战时间 ， 弱化了血腥场景给人视觉感官造成的不适 ， 弥补了固定视角单调无想象力的缺陷 。

原本粗放平铺直叙的镜头 ， 充满了细致的情调 ， 快与慢之间的对比 ， 仿佛生死之间的凝视 ， 浪漫对残酷的解构 ， 刹那与永恒的对话 。
《黑客帝国》的幕后“掌舵人”沃卓斯基姐妹 ， 看过都忍不住直呼：“我心甘情愿盯着银幕看周润发打一天的子弹 。 ”
狭义的暴力 ， 或许可以理解为肢体冲突、拳脚对抗、披红挂彩 。 而广义的暴力 ， 则可以理解为 ， 那些血肉模糊的现实 ， 爱而不得的心碎 ， 生离死别的撕裂 ， 人生中不得不面对的不可抗与身不由已 ， 生命不能承受之轻 。
但即使看透了现实的无情与无奈 ， 甚至被它掐着脖子 ， 也依旧无法忘怀心底的温情 ， 这便是最极致的人性美学 。

恩师张彻的狂、傲、奔放深深地融入吴宇森的血液 ， 而他又将张彻开创的“暴力美学” ， 以“死亡之舞”的方式推向极致 。
生于四十年代 ， 吴宇森的成长期正身处港人六七十年代的巨变 ， 儿时看的《水浒传》、《三国演义》亲身经历的那些往事 ， 让他难忘 。


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