徐冰:一个以艺术为生的人,必须搞清楚你能给社会什么

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徐冰作品

一个以艺术为生的人 , 必须搞清楚你能给社会什么

文 / 徐冰

艺术是什么 , 艺术家是干什么的 , 徐冰先生试着用他的作品来回答 。

他是华人当代艺术中最受国际认可的艺术家之一 , 创作的《天书》、《新英文书法》、《凤凰》等 , 运用的全是中国传统文化符号 。

但他认为 , 与传统的连接不是现象的连接 , 更不是符号的连接 , 而是文脉的连接 。

——施晗

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徐冰作品

目前东西方艺术教育都存在各自的问题 , 看上去问题的表现形式很不同 , 可究其原因是相同的:都是由学院体系认识的程式化导致的 。

由于教学必须是具体的、可量化的东西 , “技法”“形式”容易说清楚 , 但艺术的核心部分却难以量化 , 所以 , 学院最容易陷入孤立地研究艺术形式和手法的教条中 , 把艺术研究局限在量化的形式、材料中 , 导致了从根本上抓不到艺术的核心问题 。

现在世界各地的很多年轻人都来纽约发展 , 我从这些毕业生的作品和他们的困惑中 , 看到了西方艺术教育的问题——偏颇地强调创造性 。

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作品《天书》 1999 美国纽约

对于艺术创作来说 , 创造性思维的培养无疑是极其重要的 。

但问题的关键是 , 现在把创造性思维的获得 , 引入到一种简单的模式(量化)之中 , 而不是对创造性产生机制 , 从根本上进行探索 。

事实上 , 创造性的获得是有规律可寻的 , 但它的发生又相当“个案” 。

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作品《天书》局部

一味地对学生强调创造性 , 但教给他们对待创造性的态度和渠道却是一样的 , 结果使学生充满了创造性的愿望 , 却拥挤在只为“创造性”而创造的窄路上 。

由于思维方法基本一样 , 自然 , 创造的结果也都一样 , 这反而损坏了学生本来就具有的一部分创造性 。

再从西方具体教学方法的弊病来分析 , 他们的主要方法是强调对作品的解说能力 。

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作品《新英文书法·童谣》

比如 , 学生必须说出所创造形象的理由、出处、受影响的来源等 , 这里面有个非常大的悖论 , 即视觉艺术最有价值的部分是不能用语言代替的 , 正因为有些事情语言永远不能解说 , 所以才有艺术 。

因此 , 最有价值的艺术创造更是难于在解说中找到合适的上下文 , 若教授强行把学生的思维嵌入艺术史的模式中 , 它将使学生对作品本身不负责任 , 而对解说的效果特别看重 。

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作品《荣华富贵》(66万支“1st class”牌香烟) 展厅图

所以 , 这种方法解决的不是艺术创造本身 , 而是为艺术辩解的能力 , 它将致使艺术学院的毕业生都会做一种能自圆其说的、标准的必然也是简单的现代艺术 。

就像我们的毕业生一样 , 都有一手娴熟的绘画技能 。

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徐冰作品

这种弊病是如何形成的呢?西方艺术是以艺术史写作的框架和方法为目标的 。

西方艺术史的基本态度是 , 记录那些对艺术史有明显的形式改变的艺术家和他们的作品(那些有明显可阐释性的作品) 。

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徐冰作品

艺术家以此为目标 , 创作动力却与创造性本身无关 。

另一个客观原因是 , 在北美 , 成功的艺术家不需要在学院任教 , 在学院的艺术家 , 大部分又是在主流系统中不具备成功经验的人 , 这怎么能给学生以有效的引导呢?

谈到中国当代艺术教育的长短 , 利弊当然是交织在一起的 。

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大碾盘 木刻版画 1979

比如 , 我们的艺术教育与传统没有明显断裂 , 这是长处;但传统与新型社会形态需求的关系 , 却并没有解决 。

学生的学习有相对明确的标准和根据 , 但这套成熟的体系却只偏重技能的传授 , 学生直到毕业 , 也没有把艺术的道理、艺术是怎么回事搞清楚 。

具体说就是 , 身为一个艺术家 , 在世界上是干什么的?他与社会、文化之间的关系是什么?他与社会构成一种怎样的交换关系?要想成为一个以艺术为生的人 , 就必须搞清楚你能交付给社会什么 , 这样社会才能回报你 。

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北方灶膛 木刻版画 1985年

现在的美术教育中 , 一部分先生讲艺术史论 , 另外一部分教技巧 , 但我总感觉缺少一个中间的环节 , 没有人讲两者的关系和其中的道理 。

一个学生如果弄懂了这个道理 , 他在什么环境、做什么工作都没问题 。

我有时候想 , 我有房子住、有工作室用、有饭吃 , 这是用什么换来的呢?美术馆、收藏家愿意用高价买我的作品 , 他们买走的是什么?作品本身只是一堆材料 , 值那么多钱吗?是由于精工细作的技术吗?在制作上比我讲究的艺术家很多 。

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徐冰《新英文书法入门(特藏本)》教科书 木板手印书和水墨拓印 1994

其实 , 艺术最有价值的部分 , 是那些有才能的艺术家对其所处时代的敏感、对当下文化及环境高出常人的认识、对旧有的艺术从方法论上进行改造 , 并用“艺术的方式”提示出来 。

这是人类需要的 , 所以才构成了可出售的价值 , 才能形成交换链 。

所以说 , 好的艺术家、设计家既是思想型的人 , 又是善于将思想转化为艺术语言的人 。 而什么是这类人的基础呢?

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作品《鬼打墙》 水墨拓印 3200×1500cm 1991 埃尔维耶姆艺术博物馆展览现场

一直以来 , 我们对艺术基础教育的认识是偏执的 , 重视绘画基础 , 轻视思维能力基础;不考虑未来艺术家所应具备的素质 , 大量时间用在适合古代画家需要的素描训练上 。

设想 , 一个人从准备考附中开始 , 经过附中、本科、研究生的学习 , 从几何石膏到双人体 , 我们培养一个艺术家 , 花在素描上的时间是惊人的 。

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作品《凤凰》夜景

而在这样大量的时间内 , 没有课题的变化 , 只有难易程度的变化 , 全部过程只解决了一个技术——学会把三维的对象画到二维的平面上 , 看起来还是三维的 。

素描确实是一种便捷有效的训练方式 , 但不是全部 。 素描的目的不只是为描绘本身 , 以素描作为基本载体 , 可以分解出很多不仅与绘画技能有关 , 并与整体艺术思维有关的一系列专门课题 。

通过训练可培养一个人看待事物的能力 , 完成工作的能力 , 建立和培养有创意的思维线索和实现的能力 , 从一个粗糙的人 , 变为一个精致能干的人 。

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石碾子 木刻版画 1985年

现代艺术教育 , 还必然涉及到“大美术”的概念 。 “大美术”是显而易见的趋势 , 它应该是包括与美术有关的设计、服装、广告、建筑等专业的整体美术概念 。 从“纯美术”到“大美术”这条弧线的延长线 , 就是未来美术与周边生活的关系 。

我甚至认为 , 将来“美术”这个概念是没有实质意义的 , 它被“大美术”稀释到生活中的各个领域 。 纯美术将成为一种真正的传统艺术 , 像古典剧种一样被保留着 。

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种子 木刻版画 1985年

当然有人还在做 , 并继续对它进行现代化的尝试 , 但这部分绝对不是未来新型美术的主要部分 。

未来学院的主要任务 , 一定是要培养具有开阔的、创造性的视野的人 , 有极强适应性、能进入社会各种工作结构和领域的人 , 有极强的预见力和懂得如何发挥才能的人 。

这包括对创意和实现的能力的培养 , 即学生们应该具备广泛的知识、合理地解决问题的方法和精湛的技能等 。

女人体 木刻版画 1988

说到底 , 美术的宗旨还是会还原它起源时的职能 , 它不是因“美术职业” , 而是为人类生活所需的“创造”而产生的 。

创造这个基本动力 , 是艺术的核心 , 也是人类所有学科的核心 。

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徐冰 , 浙江温岭人 , 中央美术学院版画系毕业 。 1987年获中央美术学院硕士学位 。 1990年接受美国威斯康辛大学邀请 , 作为荣誉艺术家移居美国纽约直至2007年 。 2008年回国 , 现为中央美术学院教授、博士生导师等 。 作品被世界各大博物馆展出、收藏 , 并被多本权威世界艺术史教科书所介绍 。

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